10 grans cites de pel·lícules de terror de les quals ningú parla
Algunes de les cites més efectives a horror La història del cinema sembla que s'ha oblidat en comparació amb alguns dels participants més memorables.Algunes cites de pel·lícules de terror són tan icòniques que fan ressò a través de la cultura pop: Aquí teniu el Johnny! o Són aquí! No obstant això, el gènere també està ple de línies esgarrifoses més subtils que queden enterrades sota la sang i el caos de la seva pel·lícula.
Aquestes cites menys conegudes sovint revelen significats més profunds sobre els personatges. Ressalten el seu dolor o els temes més amplis de la pel·lícula. Des de la temptació satànica fins al trauma generacional i el mal nihilista, aquestes línies ignorades demostren que el poder més gran de l'horror sovint no rau en els crits sinó en les paraules.
El pecat mai mor. - Margaret White Carrie (1976)
Després del clímax amarat de sang de Carrie el personatge principal torna a casa desesperat per la comoditat. Embotit de vergonya i desesperació Carrie, la icona de terror de Sissy Spacek es dirigeix a la seva mare Margaret White a fanàtic religiós que no la saluda amb compassió . En lloc d'això, suggereix que preguin i pronuncia les paraules nefastes: El pecat no mor mai.
La línia arriba moments abans que Margaret ataci la seva filla en un intent de salvar la seva ànima i condueix a l'acte final de venjança de Carrie. Aquest breu intercanvi lliurat a l'ombra de la tragèdia captura perfectament Carrie és central tema de repressió i trauma hereditari . Les paraules de Margaret són alhora profecia i maledicció.
La línia de Margaret implica que la culpa del pecat i el càstig són cíclics: es transmeten de mare a filla. Encara que sovint eclipsat per les diatribes més conegudes de Margaret El pecat no mor mai perdura com un horror silenciós: el recordatori que el dolor un cop sembrat es perpetua . També presagia l'ensurt final sorpresa quan la Carrie sembla que torna d'entre els morts.
Mata la seva mare! - Pamela Voorhees divendres 13 (1980)
Abans que Jason Voorhees es convertís en una icona de slasher, la seva mare La Pamela era la que portava el matxet en Divendres 13 . Quan es revela la seva identitat com a assassí, recorda l'ofegament del seu fill i la veu que l'impulsa: Mata-la a la mare! És un moment profundament inquietant veure com una mare afligida representa la venjança del seu fill a través de la bogeria.
L'escena és a parts iguals de terror i desamor. la veu de la Pamela passa de tendre a trastornat mentre conversa amb el fantasma imaginat del seu fill. Replanteja tota la pel·lícula convertint el que semblava una juerga d'assassins sense rostre en la història d'una dona trencada per la negligència i el dolor.
Molts ho obliden sovint Divendres 13 va començar com la tragèdia d'una mare, no la carnisseria de Jason. L'actuació de Betsy Palmer i aquesta cita especialment mereixen més crèdit. Palmer va transformar la venjança en quelcom inquietantment matern i configurar els temes mare-fill que es van convertir en essencials per a la franquícia.
Sense llàgrimes, si us plau, és un malbaratament de bon patiment. - Pinhead Hellraiser (1987)
Quan Kirsty Cotton convoca els cenobites a un hospital Hellraiser ella es troba demanant pietat. Pinhead, el líder dels éssers demoníacs respon fredament: Sense llàgrimes, si us plau, és una pèrdua de bon patiment. És una línia que encapsula l'elegància sàdica del món de malson de Clive Barker.
Aquest moment destaca la paradoxa de Hellraiser : els seus monstres són alhora torturadors i filòsofs. Pinhead no només està amenaçant Kirsty; ell és gaudint de l'art de l'agonia . El ritme i la dicció de la línia (educats però pervers) reflecteixen un ésser que veu el dolor com a actuació.
Mentre T'esquinçarem l'ànima crida tota l'atenció que aquesta cita anterior podria ser encara més sinistra. És poètic, d'humor fosc i presentat amb tanta calma que això transforma la crueltat en cerimònia y. Eloqüència de Pinhead a tot arreu Hellraiser fa que el seu mal sigui inoblidable.
Nen, la següent paraula que surti de la teva boca, millor que sigui una mica brillant F**Kin' Mark Twain Sh*T. Perquè definitivament s'està cisellant a la teva làpida. - Otis The Devil's Rejects (2005)
En Rob Zombie's brutal Els rebuigs del diable Otis Firefly destaca com el el més terroríficament articulat dels assassins . Durant l'escena dels ostatges del motel, una víctima s'atreveix a parlar. Les respostes esgarrifoses d'Otis: Noi, la següent paraula que surti de la teva boca és millor que sigui una merda brillant de Mark Twain, perquè definitivament s'està cisellant a la teva làpida.
Presentada amb una precisió serena, la línia d'Otis fusiona el sadisme amb la poesia. No es crida, es xiuxiueja com una escriptura. El contrast entre el seu humor cru i la referència literària dona el moment una sofisticació surrealista . És una finestra a com Otis romanticitza la seva pròpia crueltat Els rebuigs del diable.
Això Rebuigs del diable La cita tendeix a quedar eclipsada per la violència de la pel·lícula. Tanmateix ho és una de les escriptures més agudes de Zombie . Mostra que el veritable horror no sempre necessita crits; de vegades és la quietud abans de l'acte el que més terrorífic.
T'agradaria viure deliciosament? – Black Phillip The Witch (2015)
Al final de Robert Eggers La Bruixa Thomasin ha perdut la seva família i la seva fe. De sobte, la cabra de la família Black Phillip parla : T'agradaria viure deliciosament? La línia és totes dues una oferta i una temptació : una promesa xiuxiuejada del mateix Diable.
Dr. OMS
L'escena es desenvolupa en una tranquil·litat inquietant. La veu profunda i seductora convida a Thomasin a abandonar el seu sofriment i abraçar el poder. La frase viure deliciosament es converteix en un metàfora embriagadora de la llibertat plaer i autodeterminació en un món purità.
Poques línies de l'horror modern porten aquest significat en capes. No es tracta només d'un pacte amb el mal; es tracta alliberament de la repressió . No obstant això, sovint es redueix a l'estat de meme. De fet, és el moment La Bruixa quan la tragèdia de Thomasin es transforma en triomf el pecat en agència.
nova pel·lícula de mario
Has oblidat la primera regla dels remakes Jill... No et fotis amb l'original. – Sidney Scre4m (2011)
En Scre4m la quarta entrada de la franquícia de meta-horror Sidney Prescott torna a enfrontar-se a un nou assassí Ghostface. Aquesta vegada és la seva cosina famola Jill. Quan la Jill presumeix reinventant la història per a una nova generació Sidney li dispara grunyint Has oblidat la primera regla dels remakes, Jill... no et fotis amb l'original.
L'escena reflecteix perfectament Crida autoconeixement de la franquícia. No és només Sidney lluitant, és el mateix Wes Craven retrocedint l'obsessió de Hollywood amb els reinicis . La línia aterra amb una finalitat catàrtica fusionant meta-comentaris amb genuïna badassery.
Mentre Scre4m no va guanyar la mateixa aclamació que les entrades anteriors, aquesta cita és or pur de terror. Cimenta Sidney com una de les noies finals més autoconscients i perdurables del cinema . Sempre serà divertida i immillorable, independentment de la qualitat de la pel·lícula.
Perquè tu eres a casa. – The Strangers The Strangers (2008)
En Els Estranys tres dolents emmascarats entren a la casa d'una parella i comencen a atacar sense pietat la parella. Durant el clímax fosc de la pel·lícula de terror i després d'hores de turment, la parella aterrida finalment pregunta als seus atacants emmascarats per què els apunten. La resposta és esgarrifosament senzill : Perquè eres a casa. Això és tot: sense motiu, ni venjança, ni motiu.
Tota l'escena depèn d'aquesta crueltat minimalista. Despullant la lògica Els Estranys aboca a una por primordial : violència sense sentit aleatòria. És un horror que neix no dels monstres sinó de la indiferència humana.
Aquesta cita és una de les més espantoses del terror modern precisament perquè ho és tan banal i simplista . El mal no necessita justificació de vegades només truca a la porta. No obstant això, malgrat la seva brillantor, poques vegades s'esmenta entre els grans, cosa que només el fa més inquietant.
No estaves satisfet amb les històries, així que vaig estar obligat a venir. - Candyman Candyman (1992)
Candyman va oferir un conte popular modern inspirat en llegendes urbanes. Quan Helen Lyle es troba per primera vegada amb Candyman en un aparcament fosc, emergeix de l'ombra i diu No estaves content amb les històries, així que vaig haver de venir. La seva veu fa ressò càlid però imponent mentre entra a la llum que revela el seu rostre.
La cita capta perfectament l'essència de les llegendes urbanes; com la curiositat i la incredulitat donen una nova vida als mites . L'arribada de Candyman no és venjança; és el compliment. L'escepticisme d'Helena el va convocar desdibuixant la línia entre el narrador i la història. A més, destaca la inquietant qualitat seductora del personatge.
El Candyman de Tony Todd és tan atractiu com ell si és horrible. Tot i que està eclipsada per les imatges de la pel·lícula amb ganxos i la partitura inquietant, aquesta línia ho és entre els més elegants de l'horror . És seductor i lamentable pintar Candyman com una deïtat tràgica de creences creada per la necessitat humana de por i folklore.
És un senyor vell d'aspecte molt estrany. - Minnie la núvia de Frankenstein (1935)
Quan el Doctor Pretorius arriba al castell de Frankenstein La núvia de Frankenstein comenta l'excèntrica minyona Minnie És un vell senyor d'aspecte molt estrany. És un moment jugat per l'humor. No obstant això té un significat més profund sota la superfície .
Dirigida pel cineasta obertament gai James Whale La núvia de Frankenstein es va carregar amb subtext LGBTQ+ en un moment en què no es podia afirmar obertament. La manera teatral de Pretorius i el seu vincle amb Frankenstein fan la línia de Minnie una picada d'ullet intencionada al públic que ho va entendre . En retrospectiva, aquesta petita cita sembla revolucionària.
És un reconeixement astut del queerness en una pel·lícula de terror dels anys 30 amagat a la vista . Ara que el terme queer ha estat recuperat per la comunitat LGBTQ+, aquesta referència s'ha fet encara més explícita. El que abans es va codificar s'ha celebrat transformant un moment passat per alt en una pedra angular de la història de terror LGBTQ+.
Sé que per la simpatia d'un ésser viu faria la pau amb tots. Tinc l'amor en mi que amb prou feines us podeu imaginar i enfadar els que no us creureu. Si no puc satisfer l'un, complaceré l'altre.' - El monstre Frankenstein (1994)
A Kenneth Branagh Frankenstein la criatura s'enfronta al seu creador demanant un company . Quan Víctor rebutja el monstre adverteix: Tinc en mi un amor que difícilment et pots imaginar i fer ràbia d'altres que no et creuries. Si no puc satisfer l'un, complauré l'altre.
Tret directament de la novel·la de Mary Shelley, aquest discurs humanitza completament el monstre. No és només una amenaça: és una súplica que neix de la soledat, la consciència d'un mateix i el dolor. La seva eloqüència contrasta fortament amb l'arrogància de Víctor que revela qui és realment el veritable monstre. Tot i que eclipsat per les clàssiques línies d'una línia de més antics Frankenstein pel·lícules aquesta cita és profundament bella.
Recorda al públic aquell horror pot ser profundament emocional ; que el més terrorífic no és la monstruositat sinó la pèrdua de l'empatia. En un dels temes de pel·lícules de terror més importants, aquesta línia ajuda a revelar que el monstre és mal entès i empès a la maldat per la societat. És impressionant horror línia de pel·lícula carregada de repercussions.
