8 pel·lícules d'anime millor que Esquivar en tots els sentits

Com el primer Estudi Ghibli pel·lícula per guanyar un premi de l'Acadèmia Hayao Miyazaki Lluny de l'esperit es considera una obra mestra cinematogràfica per totes les ramificacions. Fins i tot ara la pel·lícula continua rebent elogis i elogis generalitzats per la seva gran qualitat. Actuant com a pel·lícula de porta d'entrada del Japó per al públic occidental, la pel·lícula de Miyazaki va definir de manera efectiva el potencial artístic del mitjà per a tota una generació.

No obstant això, l'anime s'ha convertit en molt més des del debut de la pel·lícula el 2001 i la reverència inquebrantable que obté s'ha convertit en una limitació sufocant a l'hora d'examinar l'evolució tècnica i narrativa d'obres similars al mitjà en aquest temps. En comparació amb Lluny de l'esperit aquestes pel·lícules són igual de impressionants.

8 Actriu del mil·lenni (2001)

Actriu del mil·lenni dirigida per Satoshi Kon és una pel·lícula retrospectiva que convida l'espectador a qüestionar la memòria identitària i la fusió de la vida i l'art. Basada lliurement en la vida de les actrius de la vida real Setsuko Hara, la història comença amb cineastes documentals que entrevisten a Chiyoko Fujiwara, una actriu estimada i popular, mentre tanca les cortines de la seva carrera d'actriu.

Tanmateix, l'entrevista pren ràpidament un gir estrany. En lloc de fer preguntes, els entrevistadors acaben submergint-se en els seus records gairebé vivint-los al seu costat. A través de la història, Kon converteix la memòria en una experiència viva en evolució que es mou a través de diferents dècades i gèneres sense perdre el ritme. En particular, l'animació serveix amb precisió al nucli emocional de la història.

Cada transició entre períodes de temps flueix fàcilment fent que els espectadors recorren la història del cinema japonès mentre exploren temes d'amor i pèrdua. On Spirited Away ofereix meravelles escapistas Actriu del mil·lenni ofereix quelcom més introspectiu i melancòlic. La meditació de la pel·lícula sobre com formem les històries resulta més sofisticada que qualsevol aventura fantàstica senzilla.

7 Ghost in the Shell (1995)

El de Mamoru Oshii Ghost in the Shell va canviar la percepció de la gent el gènere cyberpunk com una obra d'animació que inspira tota una onada de cineastes influenciats per la pel·lícula èpica. Ambientada a la New Port City fictícia, la història central gira al voltant del Major Motoko Kusanagi, un agent cyborg que persegueix el misteriós hacker conegut com el Puppet Master.

Mentre investiga el cas, comença a qüestionar-se què fa que un sigui realment humà. En un món on la tecnologia pot intercanviar els records, els cossos i fins i tot les emocions, on és llavors la línia entre l'ésser humà i la màquina? Visualment, la pel·lícula sembla i se sent tan seriosa com qualsevol ciència-ficció clàssica amb una atmosfera i un ritme de mal humor que permeten que les grans idees aterrin realment.

On Lluny de l'esperit es tracta de créixer i trobar-se a través de la màgia Ghost in the Shell planteja preguntes difícils a l'audiència sobre la tecnologia i el que vindrà per a la humanitat. Per tant, és precisament la duresa de la seva intenció la que va segellar el seu llegat revolucionari.

6 Princesa Mononoke (1997)

Princesa Mononoke La pel·lícula èpica més madura de Miyazaki es va estrenar abans Lluny de l'esperit . Ambientada en el període Muromachi del Japó, la història segueix el príncep Emishi Ashitaka que es troba al centre de la lluita creixent entre els déus del bosc i els humans de Iron Town.

En lloc de detallar el típic "bo contra dolent", la història representa tots els costats amb el mateix matís i profunditat moral. Lady Eboshi representada com l'enemic resulta ser una líder amorosa que només vol protegir la seva gent marginada. Els esperits del bosc encara que són magnífics resulten ser durs i implacables. En comparació amb La princesa Mononoke de la Lluita de Chihit se sent més profund.

Els seus temes destacats de naturalesa industrialització i convivència són rellevants i moderns i els conflictes tenen una importància emocional. El més important és que la pel·lícula es nega a oferir remeis senzills. Es troba entre les millors peces de tot el treball de Miyazaki a causa de la seva disposició a acceptar l'ambigüitat moral i a retratar honestament la lluita mediambiental a la qual s'enfronta actualment el món.

5 The End of Evangelion (1997)

Una de les pel·lícules d'animació més audaces i estranyes que s'han fet mai El final de l'Evangelion . La pel·lícula que funciona com un final diferent per al Neon Genesis Evangelion La sèrie utilitza Shinji Ikari el personatge principal per mostrar com el món i la ment humana s'esfondren.

el fill bastard i el mateix diable

La història aconsegueix un equilibri entre les escenes psicològiques inquietants que exploren la solitud traumàtica i la por a la proximitat emocional i l'acció mecànica destrossadora. Poques obres busquen empènyer l'animació a un terreny estrany i metafòric com ho fa la pel·lícula. En lloc d'oferir comoditat als espectadors, els presenta reptes oberts.

Spirited Away utilitza l'empatia i la superació personal per resoldre els seus conflictes. Encara El final de l'Evangelio n presenta els efectes de la desesperança i l'evasió als espectadors d'una manera que obliga a la reflexió. En última instància, l'impacte de la pel·lícula s'estén més enllà del gènere mecha en converses cinematogràfiques més àmplies que deixen un llegat durador.

4 Grave of the Fireflies (1988)

Dirigida per Isao Takahata La tomba de les lucioperes segueix sent l'estudi Ghibli l'obra més horrorosa i aclamada. Ambientada durant la Guerra del Pacífic, la història registra les desgarradores vides de dos germans Seita i Setsuko mentre s'esforcen per sobreviure en els darrers mesos de la Segona Guerra Mundial.

El que es desenvolupa és una història sòlida, directa i brutalment honesta que captura la trista realitat de la guerra i les seves conseqüències. No hi ha una escapada mística de fantasia ni personatges d'un altre món; només una pel·lícula que representa el cost humà de la guerra amb una precisió horrorosa que només unes quantes pel·lícules d'acció en directe poden igualar.

Des de la música fins a la caracterització i, el més important, les imatges, l'obra mestra de Takahata ofereix una exploració desgarradora del dolor i un recordatori de com de fràgil pot ser la innocència. Mentre Lluny de l'esperit ofereix encant i curació emocional el poder de La tomba de les lucioperes neix de la seva realitat la compassió i la negativa a ensucrar les veritats que exposa.

Ben Feldman

3 Blau perfecte (1997)

Blau perfecte va marcar el debut com a director de Satoshi Kon i va arribar amb una força que va ampliar la percepció de la capacitat de l'animació. La història gira al voltant del personatge central Mima Kirigoe, un antic ídol del pop que decideix passar a actuar. A mesura que la seva imatge pública canvia, s'embolica en un col·lapse psicològic que difumina la línia entre les xarxes socials i la realitat.

Perseguit pel doble espectral del seu personatge ídol, el que segueix per a Mima és una espiral desorientadora cap a la bogeria que t'obliga a reflexionar sobre la identitat al seu costat. A diferència Lluny de l'esperit Blau perfecte ofereix una tensió classe magistral psicològica que ofereix un primer cop d'ull al llegat cinematogràfic de Satoshi Kon.

Utilitzant l'edició com a arma, la pel·lícula explica una història discordante que també serveix com a crítica profètica de l'era d'Internet i les relacions parasocials tòxiques que fomenta, que ara són molt freqüents en els temps moderns. En lloc de mimar els seus espectadors amb elements màgics i capritxosos, exigeix ​​un compromís actiu de principi a fi.

2 Una veu silenciosa (2016)

Una veu silenciosa ofereix un enfocament humà profundament fonamentat a la seva narració. Dirigida per Naoko Yamada, la pel·lícula explica una història de la majoria d'edat centrada en la parella de Shoya Ishida i Shoko Nishimiya. La seva relació neix d'un cicle d'assetjament sense pietat a l'escola secundària liderat per Shoya sobre la Shoko sorda que finalment la va allunyar de l'escola.

Subscriu-te al nostre butlletí per obtenir informació més profunda sobre pel·lícules d'anime

Subscriu-te al nostre butlletí per obtenir informació més profunda sobre pel·lícules d'anime

Anys més tard, ara un paria social que lluita contra les conseqüències de la seva lletja reputació i aixafat per la culpa del seu passat, Shoya intenta esmenar-se buscant la seva víctima. És el seu viatge incòmodement bonic cap a la reconciliació el que la pel·lícula registra amb detall presentant una profunda empatia estudi de l'ansietat per culpa i el dany durador de la crueltat infantil.

A diferència Lluny de l'esperit que utilitza un entorn màgic per portar el seu protagonista cap a la maduresa Una veu silenciosa es basa en experiències de la vida real que aprofundeixen en la complexitat interna dels defectes humans. En tota la pel·lícula, l'autenticitat emocional i la maduresa temàtica presenten com a més profunda ressonància que l'aventura espiritual de Chihiro.

1 Akira (1988)

Des del punt de vista del llegat Akira és sens dubte la pel·lícula d'anime més impactant que s'ha fet mai. El director Katsuhiro Otomo va adaptar el seu propi manga en una èpica ciberpunk que no només va remodelar les percepcions globals de l'anime, sinó que també va trencar la barrera que separava els mitjans d'animació japonesos d'Occident.

Enregistrada a Neo Tokyo, una metròpoli distòpica, la narració segueix al líder de la banda de motoristes Shotaro Kaneda, la vida delinqüent del qual es trenca quan el seu millor amic Tetsuo Shima s'enfonsa en un experiment secret del govern. Les conseqüències són el despertar de les habilitats psíquiques devastadores d'aquest últim que amenaça de reduir la ciutat a un munt de runes una vegada més.

En comparació amb Lluny de l'esperit d'Akira El valor superior rau en el seu revolucionari domini tècnic i la seva influència global sense precedents. Tot i que es va estrenar fa més de tres dècades el 1988, la llegendària velocitat de fotogrames de la pel·lícula i l'ús enginyós de tècniques d'animació pre-digital van establir un referent mundial extraordinari per a l'animació. Un precedent que des d'aleshores s'ha convertit en un ADN evidència en tot mitjans moderns de ciència-ficció i ciberpunk .